En la muerte de Camilo Sesto

Publicado el septiembre 08, 2019

Hoy, 8 de septiembre de 2019, hemos amanecido con la triste noticia de la muerte de Camilo sesto. A modo de homenaje reproduzco aquí el perfil biográfico que escribí para una enciclopedia del pop español en el año 2000

 

Resultado de imagen de camilo sestoCAMILO SESTO

Nombre auténtico: Camilo Blanes Cortés

Lugar y fecha de nacimiento: Alcoy (Alicante), 16 de septiembre de 1946

Año de debut: 1971

Álbumes grabados: 19

Mayor éxito: “Vivir así es morir de amor”

Discográficas: Ariola

Entre el barroquismo escénico de Raphael y las maneras de “cantante de todalavida” de Nino Bravo , los primeros setenta trajeron la opción de Camilo Sesto que aportó a la canción melódica un cierto aire de renovación, era un chico guapo pero no exhibía virilidad, más que un cantante parecía un modelo de esos que aparecen fotografiados a la entrada de las peluquerías con pretensiones. En el aspecto artístico,  Camilo era capaz de cantar a todo pulmón pero también sabía susurrar, como si le cantara al oído a alguna de sus innumerables seguidoras.

Al principio muchos le llamaban Camilo Sexto –así con equis, incluso algún periodista escribía “Camilo VI”- y así debiera haber sido su nombre artístico que adoptó por ser el sexto hermano de la familia, pero dio la casualidad de que ya había un artista que usaba ese nombre y optó por Sesto –con ese- de similar sonoridad.

 Resultado de imagen de camilo sesto daysonLa pasión por la música se le despertó a muy corta edad –algo que suele ser habitual en la región levantina-, casi al mismo tiempo que su afición por la pintura que le sirvió para poder sobrevivir recién llegado a Madrid, donde recaló en el otoño del 65 buscando una oportunidad en el mundo de la música que se le resistió más de lo previsto. Iba cargado de ilusiones y vivió los primeros sinsabores del mundo del espectáculo. Cada dos por tres cambiaba de domicilio y tenía que aceptar trabajos muy por debajo de sus cualidades. Haciendo de tripas corazón, llegó incluso a actuar en los garitos más tronados -hoy se diría cutres- bailar como chico “go-go”. Sus primeros pasos como cantante fueron como integrante de conjuntos pop como los Dayson -unos “versioneros” que apenas tuvieron eco- y Los Botines, un grupo que gozó de cierta popularidad y del que salió en 1968 para cumplir el Servicio Militar. La irrupción en el panorama musical de Camilo Sesto como solista no tendría lugar hasta principios de los setenta cuando Juan Pardo le tomó bajo su tutela y le produjo su primer disco, un single de escasa repercusión que incluía “Llegará el verano” y “Sin dirección”. El primero de los títulos era del propio Juan Pardo. Mejor le fueron las cosas con su segunda entrega discográfica donde encontramos una adaptación pop de la popular “Canción de cuna”, de Brahms –la que se escucha inevitablemente en las cajitas de música de los bebés- y que se tituló “Buenas noches”. Poco después participó en el espacio televisivo “Canción 71”, aunque su pasó por el programa no le reportó grandes satisfacciones, en cambio pocos meses después gozaría del reconocimiento de la crítica que le premió en el Festival de la Canción del Atlántico, celebrado en Tenerife. Antes de cerrar el año cosechó su primer impacto discográfico con el comercial “Ay, ay, Rosseta”. Pero su primer gran éxito llegó al año siguiente con un tema de su propia inspiración, “Algo de mí”, que dio título a su primer disco de larga duración y le abrió las puertas del mercado sudamericano. El camino ya estaba allanado y Camilo  no tardó en alumbrar un segundo álbum, “Sólo un hombre”, que albergaba otro tema a tener en cuenta, “Amor, amar”, cuya letra escribió su amiga –y según la prensa rosa de entonces, “algo más”- Lucía Bosé que además de su faceta de actriz tenía inclinaciones poéticas. Precisamente la carrera de su hijo Miguel le debe a Camilo el primer impulso.

Resultado de imagen de camilo sesto La consagración definitiva le llegó en 1973 con la canción “Todo por nada”  y “Algo más” que dio título a su tercer álbum. Poco después editó “Camilo” y “Amor libre”, en 1974 y 1975 respectivamente. Los éxitos más importantes de esta etapa son “Ayudadme” “Jamás” y “Melina”, esta última dedicada a la actriz griega Melina Mercouri. Por entonces ya había conquistado muchos países de Sudamérica y su voz había penetrado también en Japón y algunos países europeos, principalmente Alemania y Holanda.

Camilo Sesto era por entonces un ídolo de jovencitas que le asediaban a todas horas, pero aún no había conseguido el aplauso unánime del público adulto y deResultado de imagen de camilo sesto la crítica. Lo obtuvo a raíz del estreno de la adaptación española de la ópera rock de Tim Rice y Andrew Lloy Webber, Jesucristo Superstar que él estrenó como protagonista a finales de 1975, al poco de morir Franco. Realmente bordó el personaje de Jesucristo exhibiendo unas cualidades vocales y escénicas muy considerables. Compartía escenario con Ángela Carrasco que también destacó por su interpretación en el papel de María Magdalena. La obra se mantuvo mucho tiempo en cartel en el teatro Alcalá Palace de Madrid y algunas piezas del espectáculo las incluyó en sus presentaciones en directo como el número de “Getsemaní” que concluía con un apoteósico final, con el intérprete hincado de rodillas.

En 1976 obtuvo el premio “al cantante más popular” y volvió a alcanzar los primeros puestos de las listas con “Mi buen amor”. En esta época los discos se sucedieron con suma regularidad: “Memorias”, “Rasgos”, “Entre amigos” y “Sentimientos”… En el último de los citados, de 1978,  encontramos la balada “El amor de mi vida” y “Vivir así es morir de amor”, un impetuoso tema que con el tiempo sería su número más recordado. De este disco de vendieron 200.000 copias, una cifra altísima entonces. Del 78 al 83 fue encadenando un disco con otro con buena aceptación aunque sin generar la misma pasión entre sus fans, que fueron creciendo con él, mientras que la nueva generación de adolescentes mostraban sus preferencias por Miguel Bosé que, paradójicamente, fue durante un tiempo su protegido. Sin embargo aún le llegaban reconocimientos como el Premio Disco Latino por los diez millones de discos vendidos en todo el mundo a lo largo de su carrera. La prensa del corazón empezó a preocuparse más por su vida personal que por sus éxitos artísticos y eso fue contraproducente para su carrera. Mucho se habló entonces del hijo que tuvo, fruto sus relaciones con una mejicana, al que Camilo dedicaría su atención, hasta el punto de afirmar en 1986 que se retiraba de la canción para poderle dedicar todo el tiempo al pequeño. “De continuar estaría mintiéndome una vez más y ya no quiero más mentiras en mi vida”, afirmó entonces. La verdad es que sus últimos discos no habían tenido en España la repercusión deseada y esto también influyó en que el intérprete trasladara su residencia a Miami, sin que en España se tuvieran noticias de él, sólo circulaban rumores malintencionados que hacían conjeturas sobre su voluntario aislamiento.  Volveríamos a saber de sus andanzas en 1991 cuando regresó a su país para presentar un nuevo álbum, “A voluntad del cielo”, en el que se incluían como temas destacables “Amor mío ¿qué me has hecho?” y “Bienvenido amor”. Según afirmó el propioResultado de imagen de camilo sesto artista el motivo de su vuelta no era sólo divino, lo hacía también por su hijo que deseaba ver a su padre en activo. Su vástago apareció fotografiado con su famoso progenitor en la contraportada del siguiente álbum que editó el intérprete tres años después, “Héroes de amor”. Ni este ni el anterior L.P. sirvieron al cantante para reverdecer laureles. Sin embargo, poco después volvió al primer plano de la actualidad, pero no por razones artísticas sino por sus apariciones en programas de humor de dudoso gusto en los que él se prestaba a participar, aunque fuera ofreciendo una imagen algo patética, para escarnio de algunos irrespetuosos presentadores. Es lamentable que artistas que han vivido días de gloria sean utilizados cuando llegan a sus momentos más bajos para llenar programas de entretenimiento banal. Sin embargo, a él no parecía preocuparle el tema: “Sé que hay quien piensa que soy víctima de mi personaje, pero se equivocan…”. De todas formas, quien tuvo retuvo y es difícil ensombrecer del todo la carrera artística de alguien como Camilo que en sus mejores momentos arrastró un público numeroso y entusiasta. Prueba de ello es que a finales de los noventa muchos jóvenes aceptaron con placer -y como nuevos- temas como”Vivir así es morir de amor” que se escuchó mucho –incluso en las discotecas- a raíz de la publicación del antológico “Camilo superstar”. El cantante afirmó entonces con motivo de su retorno: “No vengo a salvar el planeta, que quede claro, pero sí a colaborar, dentro de los que esté en mi mano, para que haya más amor en el mundo”.

©Antonio Subirana

DISCOGRAFÍA

 

Resultado de imagen de camilo sesto algo de mí “Algo de mí” (1972)

(Ariola)

Fue su primer L.P., no tuvo de entrada muy buena acogida pero cuando parecía destinado al olvido empezó a alzar el vuelo y en el verano de 1972 llegó al número uno de las listas de éxito. La canción que le dio título es el tema más representativo de la primera etapa del cantante alcoyano.

 

Resultado de imagen de camilo sesto jesucristo superstar “Jesucristo Superstar” (1975)

(Ariola)

Esta adaptación española de la famosa ópera-rock no desmerece en nada a la original. La interpretación de Camilo Sesto convenció a un público adulto que de otra manera no se hubiera fijado en el intérprete. También participa Ángela Carrasco que estuvo muy bien en el papel de María Magdalena. El número más importante de los interpretados por Camilo es “Getsemaní”.

 

Resultado de imagen de camilo sesto sentimientos“Sentimientos” (1978)

(Ariola)

Puede considerarse su último álbum de éxito. A destacar los temas “El amor de mi vida” y “Vivir así es morir de amor”. Este último es el tema de su repertorio que mejor ha resistido el paso del tiempo.

 

Resultado de imagen de camilo superstar“Camilo superstar” (1999)

(Ariola)

Esta recopilación, en la que encontramos lo más brillante del repertorio del artista, fue objeto de un importante lanzamiento que se saldó con unas ventas sorprendentes. Lo curioso es que su edición no contentó únicamente a las quinceañeras de antaño sino a un público juvenil de ambos sexos.

 

Otros discos:

Nota: No se incluyen recopilaciones.

“Sólo un hombre” (Ariola, 1972), “Algo más” (Ariola, 1973), “Camilo” (Ariola, 1974), “Amor libre” (Ariola, 1975), “Memorias” (Ariola, 1976), “Rasgos” (Ariola, 1977), “Entre amigos” (Ariola, 1977), “Horas de amor” (Ariola, 1979), “Amaneciendo” (Ariola, 1980), “Más y más” (Ariola, 1981), “Con ganas” (Ariola, 1982), “Camilo (en inglés)” (Ariola, 1983), “Amanecer 84” (Ariola, 1984), “Agenda de baile” (Ariola, 1986), “A voluntad del cielo” (Ariola, 1991), “Amor sin vértigo” (Ariola, 1994).

 

 

Concert a Vilanova del Vallès

Publicado el agosto 25, 2019

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Concert a Tordera

Publicado el julio 22, 2019

Cartell FESTIVAL MULTIPOLAR 2019 Sessió 24 JULIOL

En la muerte de Doris Day

Publicado el mayo 13, 2019

Con motivo de la muerte de Doris Day, el 13 de mayo de 2019, recupero a modo de homenaje la biografía que escribí en 1995 y que fue publicada en Portugal.

 

DORIS DAY 

LA NOVIA DE AMÉRICA

Doris Day nunca fue el prototipo de mujer que despierta el deseo. Sin embargo, llegó a ser la novia más deseable de América. Con una voz cristalina y una habilidad poco común para dominar múltiples parcelas del espectáculo, fue la estrella indiscutible de una América algo mojigata que veía en ella la mujer que nunca se pasaba de la raya. Sólo sus pecas y la manera de apartarse con un soplo el flequillo de la frente, le daban un aire de inocente rebeldía.

 

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La bailarina que no pudo ser

Dorothy Von Kappelhoff -este es su verdadero nombre- nació el 3 de abril de 1924 en Cincinnati, Ohio.

Su padres, William y Alma Sophia, se separaron cuando ella era una adolescente. Él era un buen pianista que se ganaba la vida dando clases de órgano y de violín y albergaba la ilusión de que su hija se dedicara también a la música clásica; ella era ama de casa, tenía una admiración sin límites por la actriz Doris Kenyon y por eso le impuso ese nombre a su hija, con la esperanza de verla un día convertida en una estrella del espectáculo.

Doris iba para bailarina profesional, a los cuatro años empezó a tomar clases de ballet clásico y a los doce entró en la compañía de Franchon y Marco, después de ganar un concurso para nuevos talentos junto a un joven bailarín llamado Jerry Doherty. Con ese  grupo de baile, en el que también se encontraba su hermano Walter, realizó Doris sus primeras tournées. En uno de los viajes sufrió un aparatoso accidente de coche que le causó varias fracturas de gravedad en la pierna derecha. Este desgraciado suceso le obligó a despedirse del mundo de la danza pero no del espectáculo, quería ser artista a toda costa.

Obligada a desplazarse en una silla de ruedas, pensó que para cantar no necesitaba moverse y descubrió que tenía buena voz. Fue entonces cuando su padre volvió a aparecer por casa para darle lecciones de música y educar su voz. Doris aliviaba de esta forma las tediosas horas que pasaba inmóvil reponiéndose de las múltiples operaciones a las que se tuvo que someter y contrarrestaba así la pesadez de las sesiones de rehabilitación con la alegría que le proporcionaban sus progresos vocales.

Ese grave contratiempo frustró sus ambición de llegar a ser una gran bailarina pero le desveló unas ocultas posibilidades como cantante que seguramente no hubiera descubierto de no ser por aquel desgraciado accidente…nunca hay mal que por bien no venga.

Cuando su padre creyó que ya había “despertado” aquella voz, determinó que prosiguiera sus clases con una profesional del canto, la profesora elegida fue Grace Reine.

 

El “día a día”

Sus progresos físicos y musicales fueron muy rápidos y pronto empezó a frecuentar una emisora local donde tuvo la suerte de que le escuchara el director de orquesta Barney Rapp. Este la colocó como vocalista en su banda y la dio a conocer desde el escenario del “Little club”, de Cincinnati, donde cobró su primer dinero por cantar. Fue precisamente Rapp quien le sugirió cambiar su apellido por uno de más fácil pronunciación. Uno de los números más aplaudidos de Doris con la orquesta de Rapp era el tema “Day by day”  -que más adelante grabaría con Les Brown- y de esa canción tomó su nombre artístico.

Todo esto pasaba en los años de la segunda guerra mundial. La voz cristalina de Doris, unida a su aire angelical, era un soplo de esperanza para una población ávida de sueños.

Doris Day respondía en esta época al tópico de “artista con madre”. Su mamá era quien le acompañaba a todas partes, velando por que su hija no se apartara del camino recto. Supervisaba sus contratos y hacía todo lo posible porque su hija fuera justamente compensada por su arte.

Después de la orquesta de Rapp, estuvo un tiempo con Fred Waring y los Pensylvanians donde coincidió con el ya veterano Rudy Vallee, uno de los primeros “crooners” de los que se tiene noticia.

 

IMG_20190513_204442_resized_20190513_084649622Un viaje sentimental

Por esa época conoció a Al Jordan, trompetista de la orquesta de Jimmy Dorsey, que acabaría por convertirse en su primer marido. Es en este punto de la historia donde surge la primera contradicción entre la vida personal de Doris y la imagen que de ella tenía el público. Pocos de sus seguidores se enteraron entonces de que aquella señorita de intachable moral había sido madre en 1942, un año antes de contraer matrimonio con Jordan. Según se supo después, Al era un perfecto tirano y Doris logró escapar de sus garras sin llegar a cumplir el primer aniversario de boda. El hijo de aquel matrimonio, Terry, sería con los años administrador de una pequeña productora de cine propiedad de su madre. Al parecer, la relación financiera materno-filial acabó en los tribunales.

Mientras su vida sentimental se había complicado, su estilo había ido ganando adeptos gracias a sus apariciones en el programa de radio que conducía el actor Bob Hope y a su paso por diversas orquestas entre las que cabe destacar la de Bob Crosby, hermano del famoso “crooner”, con la que estuvo actuando una breve temporada en el “Strand theater” de Nueva York. Fue allí donde conoció a Les Brown, que sería el músico que sabría sacar el mejor partido a su voz. Con su orquesta estuvo actuando en el casino de Glen Island y realizó sus primeras grabaciones discográficas entre las que se encuentran temas como  “Let’s be Buddies”, “Barbara Allen” , “Easy as a pie” y “Dig it”. Aunque estos temas sorprendieron gratamente a los buenos aficionados, no constituyeron un éxito popular. Este llegaría, tras divorciarse de Al Jordan, con un tema editado por Columbia en 1944, “Sentimental journey”, del que se vendieron más de un millón de ejemplares. La etapa con la orquesta de Les Brown fue la más interesante de su carrera musical en tanto en cuanto refleja la auténtica dimensión de Doris Day como cantante. Su riqueza de matices y su depurada técnica vocal, así como la perfecta compenetración con la orquesta son palpables en temas como “Come to baby, do!”, “Sooner or later” o “There’s good blues tonight”.

Poco a poco había ido recuperándose de sus fracturas en la pierna y decidió matricularse en una escuela de danza de Nueva York con la intención de volver a bailar como una profesional, algo que consiguió en poco tiempo, gracias a su gran fuerza de voluntad.

A los veintidós contrajo su segundo matrimonio, nuevamente  con un músico, esta vez el saxofonista George Weidler . Esta unión también naufragó a los pocos meses.

 

Hollywood, Hollywood

En 1948 Doris decidió marcharse a Hollywood, ante la insistencia de su madre que siempre quería ver a su hija en un puesto más alto.

Tenía ya hecho un nombre en el mundo de la canción y no le fue difícil obtener actuaciones en las salas más lujosas.

Sólo le faltaba dar el salto al mundo del celuloide y en poco tiempo lo consiguió gracias al director húngaro Michael Curtiz que le dio el papel protagonista de  “Amor bajo cubierta” (“Romance in the sea”) (1948), la película que en un principio debía protagonizar Betty Hutton pero que  no pudo hacer al quedar  embarazada. Doris tuvo en ese film el vehículo idóneo para desplegar sus habilidades en el canto y la danza, y de paso estrenarse como actriz, faceta en la que resultó muy convincente, aunque no llegó a tener un éxito masivo.

Doris tenía todos los números para ser la futura estrella que la Warner Bros necesitaba. Pero no una estrella inalcanzable sino asequible y doméstica. Era la buena chica, comprensiva y risueña, que todos querrían tener como novia. Todo lo hacía bien,  actuaba, cantaba y bailaba con la misma facilidad que una casta ama de casa limpiaba, planchaba y guisaba. Además lo hacía sin esfuerzo aparente, daba la impresión de que para ella todo fuera coser y cantar.

Las películas de éxito empezaron a sucederse a un ritmo vertiginoso : “My dream is yours” (1949), también dirigida por Michael Curtiz ; “It’s great a feelling” (1949),   de David Butler, el director que la dirigiría en más ocasiones ; “Young man with a horn” (1950) ; “Tea for two” (1950), basada una opereta de los años veinte titulada “No, no, Nanette”; “”West point story” (1950); “Storm warning” (1950), de Stuart Heisler; “Lullaby of Broadway” (1951); “On moonlight bay” (1951), dirigida por Roy del Ruth; “Starlift” (1951); “I’ll see you in my deams” (1951); “April in Paris” (1952);   “By the light of the silver moon” (1953); “Calamity Jane” (1953); “Young at heart” (1954), dirigida por Gordon Douglas; “Love me or leave me” (1955), de Charles Victor; “The man who knew too much” (1955), de Alfred Hitchcock ; “The Pyjama game” (1959), “Pillow talk” (1959), “Jumbo” (1962)…

 

Millonaria y arruinada

Como cantante siguió grabando discos de éxito. Acostumbrada a verse en el cine acompañada de imponentes galanes, buscó entre los crooners del momento IMG_20190513_204508_resized_20190513_084650340su oponente ideal y así grabó sucesivamente dúos con Johnny Ray (“Let’s walk that away”) y con Frankie Laine (“Sugarbush”).

Inolvidables son sus interpretaciones de “Embracable you”, la célebre composición de George e Ira Gershwin; “Crying my heart out for you”, “Because you’re mine”, etc.

Esos años de gloria y de éxito comercial se debieron en gran medida a las buenas artes de Marty Melcher, un productor de cine que en 1951 se convirtió en su tercer marido. Él fue quien dio el nuevo impulso que necesitaba la carrera cinematográfica de Doris Day, consiguiéndole un fabuloso contrato con la Metro Goldwyn Mayer.

A pesar de que este matrimonio resultó muy rentable en el terreno artístico -para ella- y en el económico -para él-,  también se frustró.  A diferencia de lo que había ocurrido anteriormente, en esta ocasión el final no fue el divorcio sino la muerte de Melcher, acaecida en 1968.

Melcher había velado por los negocios de su esposa y ambos habían visto aumentar su fortuna considerablemente. Cuando ella enviudó, unos desaprensivos gestores intentaron sacar tajada del patrimonio y Doris Day pasó de millonaria a arruinada en muy  poco tiempo, el mismo que tardó en recuperar judicialmente sus propiedades, que incluían pozos de petróleo, hoteles, una editorial musical, una productora de cine y hasta una cadena de heladerías.

Su último éxito discográfico fue “Move over Darling”, compuesto por su hijo Terry, y su última película “Déjame sitio, encanto” (1964). Este era el film cuyo rodaje se había visto interrumpido por la inestabilidad de su inicial protagonista, Marilyn Monroe, y que finalmente había quedado inconcluso debido a la muerte de la sex-symbol en 1962. Tras unas lógicas adaptaciones en el guión, Doris Day  interpretó el papel que debiera haber hecho la malograda actriz.

Después de ese rodaje, Doris Day se retiró a su mansión de Malibú y sólo salió de allí para cumplir un contrato firmado por su difunto marido con una cadena de televisión. El resultado fue una serie de programas que, con el título de “El show de Doris Day”, le mantuvieron ocupada hasta 1974.

En 1976 publicó sus memorias donde dejaba al descubierto las sorprendentes diferencias que existían entre su vida en la ficción y su vida real. Ese mismo año se casó con Barry Comden, pero las infidelidades de él dieron al traste con este cuarto matrimonio.

A partir de ese momento sólo aparecería en público en algún acto humanitario, como el  pase privado de “Calamity Jane” que, en 1993, ofreció en su propia residencia con fines benéficos.

 

images“Qué será, será”

 Curiosamente, la canción que tenemos más asociada a Doris Day no pertenece a una película musical sino a un film de suspense dirigido por el maestro del género, Alfred Hichcock.

“Whathever will be, will be” no era una simple canción de relleno en la película “El hombre que sabía demasiado” (“The man who knew too much”), tenía un papel fundamental en el argumento ya que gracias a ella la protagonista recuperaba a su hijo en el momento cumbre de la filmación. Ese tema llegaría al número uno en 1956 y se convertiría en uno de los clásicos de la canción popular.

Otras películas que debemos destacar por su interés musical son “Romance in the sea” (1948), que incluye “It’s magic”, su primer éxito musical en el cine; “Lullaby of Broadway” (1951) que cuenta con un buen ramillete de canciones de Cole Porter y George Gershwin; “April in Paris”, con excelentes temas de Sammy Cahn y Vernon Duke; “Calamity Jane”, de la que salieron éxitos tan importantes como “Black hills of Dakota” y “Secret love”.

Mención especial merece “Young at heart”, en la que interpreta junto a Frank Sinatra la canción que da título al film -de Johnny Richards y Carolyn Leigh-, además de otros temas sin desperdicio como  “Someone to watch over me”, de Gershwin ; “Just one of those things”, de Cole Porter y “One for my baby”, de Harold Arlen y Johhnny Mercer.

Cabe señalar también, por su aliciente musical, “Young man with a horn” (1950), inspirada en la biografía del genial trompetista Bix Beiderbecke, y “Love me or leave me” (1955) basada en la vida de la cantante de Ruth Etting.

©Antonio Subirana

Concert de Sant Jordi

Publicado el abril 25, 2019

IMG-20190424-WA0014Toni Subirana va oferir un concert a Les Cabanyes, a l’antiga Església de Sant Valentí. El cantautor va interpretar Sant Jordi. Les Cabanyes 2019poemes musicats de Joan Maragall, Neruda o Josep Maria de Sagarra, autor de qui aquest 2019 es commemora el 125è aniversari del seu naixement. Un públic molt sensible i acollidor, entre el qual hi havia rapsodes que van participar a la primera part de l’acte, va aplaudir  al cantant que també va interpretar també cançons de lletra i música pròpies.

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Diez años sin Mari Trini

Publicado el abril 06, 2019

El 6 de abril de 2009, en el hospital Morales Meseguer, de Murcia, fallecía Mari Trini. La conocí a finales de los ochenta en el Parque de atracciones de Montjuïc cuando racalaban en su escenario grandes artistas y luego me la crucé en alguna ocasión en Ibiza. Con motivo del décimo aniversario de su muerte reproduzco aquí el texto que escribí para una colección dedicada al Pop español que escribí en el año 2000

images (1)MARI TRINI

 Nombre completo: María de la Trinidad Pérez-Miravete Miller

Lugar y fecha de nacimiento: Caravaca de la Cruz (Murcia), 12 de julio de 1947

Año de debut: 1963

Álbumes editados: 23

Mayor éxito: Amores

Discográficas: Pathé-Marconi, RCA, Hispavox, Espectacular, Divucsa

Una larga enfermedad durante la infancia es determinante para cualquier ser humano. Todo lo que nos sucede de pequeños es crucial en nuestro futuro pero si es algo anómalo como una prolongada convalecencia, aún más. Esto es lo que le sucedió a Mari Trini que a los siete años contrajo una infección de riñón que le mantuvo postrada en cama durante seis años.

Aunque nació en un pueblo de la provincia de Murcia, la mayor parte de su infancia y adolescencia transcurrió en su casa de Madrid, donde vivió endescarga (1) compañía de sus padres y tres hermanos menores. Durante el tiempo que duró su dolencia asistió intermitentemente a un colegio de monjas, pero la muchacha estaba acostumbrada a vivir en un mundo de adultos y entre sus compañeras de la escuela no podía evitar sentirse desplazada. En aquellos años difíciles tuvo como fiel compañera una guitarra con la que empezó practicar los primeros acordes hasta que la familia, al percatarse de su afición musical, decidió buscarle un profesor que resultó ser Fernando Arbex, que en el futuro se convertiría en el alma de Los Brincos y en un exitoso compositor. Con él empezó a tocar las canciones de los Everly Brothers que le hacían más llevadera la enfermedad de la que quedaría prácticamente restablecida a los quince años. Con sus pocos conocimientos musicales, pero con mucha ilusión, se presentó a varios concursos para artistas debutantes, pero su estilo, que entonces ya era bastante melodramático, no respondía a lo que en aquellos tiempos se esperaba de una jovencita y tuvo sus primeras decepciones. La primera persona importante del mundo artístico que creyó en ella fue Nicholas Ray –conocido sobre todo por ser el director de “Johnny Guitar” y de “Rebelde sin causa”, el film que mitificó a James Dean-  que entonces era propietario en Madrid de un local nocturno llamado “Nika´s”. El cineasta la tomó bajo su tutela y la envió a Londres, la capital entonces de la música pop. Gracias a las recomendaciones de Ray, Mari Trini hizo algunas apariciones en un show que Peter Ustinov tenía en la BBC. Aquellos años en la capital británica no dieron el fruto apetecido en la carrera musical de la artista aunque le sirvieron para conocer el mundo artístico desde dentro y saludar a algunos astros de la música y del cine. Pero la cantante sentía que su sitio no estaba allí, no se sabe si Ray perdió el interés en su protegida pero el caso es que un día Mari Trini le perdió la pista y decidió volar a París, de pequeña había estudiado francés y se sentía fascinada por la obra de las grandes estrellas de la “chanson”, un género que se aproximaba más al estilo musical que quería desarrollar. De los dieciséis a los veintiún años Mari Trini vivió en la ciudad del Sena pero su carrera musical avanzaba muy lentamente y debía compaginarla con trabajos más prosaicos para ganarse el sustento. A aquella época pertenecen sus primeras grabaciones, algunos singles y un L.P. titulado “Bonne chance” donde se incluía un tema de su cosecha titulado “Ce n’est pas moi” que años más tarde conocería un gran éxito en su versión española (“Yo no soy esa”). Pero todo esto es la prehistoria de la Mari Trini que en España empezó a conocerse a partir de un disco que editó la RCA y en el que dominaban composiciones ajenas de nuevos valores como Juan Carlos Calderón, Patxi Andión y Luis Eduardo Aute de quien se seleccionaron las dos canciones que figuraban en el primer single “El alma no venderé” y “No sé que pasará”. Como anécdota cabe reseñar que esta última fue la primera canción que escribió Aute. Mari Trini introdujo en España el concepto de intérprete seria, alejada de la frivolidad. El mundo de la cantautoría española estaba aún en pañales y tiraba a progre, mientras que el de la canción ligera estaba dominado por intérpretes excesivamente anacrónicos, ella encontró el punto justo entre ambos. Sus canciones decían cosas pero se sustentaban en melodías inspiradas y fáciles de retener, envueltas en unos arreglos consistentes. Aquel disco fue un primer paso que apuntaba lo que Mari Trini podía dar de sí y que pudo constatarse en su siguiente álbum, “Amores” ante el que se rindió la mayor parte de la crítica y un público muy numeroso. Fue su primer disco para Hispavox donde trabajó junto a Rafael Trabucchelli que potenció su talento como compositora y supo entender muy bien el tipo de producción que necesitaba la artista. Aquel álbum albergaba un puñado de excelentes canciones arregladas por Waldo de los Ríos que se convertirían en clásicos, como la que daba título al L.P. y otras inolvidables como “Mañana” y “Cuando me acaricias” que aparecieron en single. Quedó como una obra histórica de la música pop española y en su carrera pesó como una losa, para bien, porque gracias a ella pudo consagrarse como una primera figura, y para mal porque nunca podría superarlo en futuras producciones. Sin embargo, su siguiente álbum, “Escúchame”, no decepcionó en absoluto, contaba con varios números fuertes como el mencionado “Yo no soy esa” o “Yo confieso”. En ese álbum figuraban también versiones del repertorio de Édith Piaf, Gilbert Bécaud y Jacques Brel. La más célebre de este último, “Ne me quitte pas”, incluida  en el álbum “¿Quién?”, de 1974, pasaría a ser un tema fundamental en el repertorio de la artista en directo, aunque en la grabación discográfica peca de sobreactuación. Pero antes de ese trabajo aparecieron “Ventanas” –un disco muy digno en su conjunto pero sin temas de impacto- y “L’automne”, un álbum con destino al mercado francófono en el que se incluía una selección de temas de la cantautora adaptados al francés y que tuvo continuidad en otro L.P. al año siguiente.

descargaEn la segunda mitad de los setenta los álbumes de Mari Trini empezaron a acusar una cierta merma de las facultades de la artista como autora. La exigencia de un disco por año –en Hispavox se seguía a rajatabla- resultaba quizás excesiva para Mari Trini y, aunque seguía arrastrando público a sus actuaciones, sus discos no generaban tantos éxitos. En 1977 con el comercial “Te quiero con locura”, la artista se encaramó a las listas de éxitos. Empezaba así una nueva etapa en la que los singles tuvieron más peso, en detrimento de los discos de larga duración. Periódicamente aparecían temas de impacto comercial que se escuchan a todas horas en las emisoras de radio y se bailaban en las discotecas cuando tocaban “los lentos”. Canciones sentimentales, inteligibles por todos los públicos, que huían algo del tono lúgubre de sus antiguas baladas. Eran más “lights” pero se escuchaban con agrado: “Estoy pensando en ti” (1978), Ayúdala (1979), “Soy un caso perdido” (1980), “Te amaré, te amo y te querré” (1981)…sin embargo, en los álbumes que contenían esos temas se advertía demasiado material “de relleno” y un empeño por modernizar el envoltorio musical donde dejó su huella Danilo Vaona, productor italiano que entonces trabajó con muchos artistas españoles. De 1982 es “Una estrella en mi jardín” que fue un éxito incontestable, aquel tema de títuloimages (2) surrealista le devolvió al primer plano de la actualidad. Dos años más tarde editó un disco en el que daba su visión de boleros mejicanos y rancheras, “las canciones que cantaba de pequeñita” según sus propias palabras. La brillante producción corrió a cargo de Maryní Callejo –pianista y directora del grupo que acompañaba a la artista en directo-  que firmó junto a Jesús Gluck los cuidados arreglos de aquel disco. Tras este trabajo que pasó bastante inadvertido, en 1985 apareció un álbum grabado en vivo que reflejaba fielmente el magnetismo que la artista poseía en escena. No obstante, su compañía creía en ella como artista de fondo de catálogo pero no como una apuesta de futuro. En 1986 Hispavox se fusionaba con la multinacional Emi y empezaba una nueva etapa en la que sólo estaba interesada por promocionar a grupos juveniles y se sentía incómoda con figuras de “toda la vida” como Alberto Cortez o Mari Trini. Así, los últimos trabajos de estos artistas  parecieron ser el fruto de un compromiso contractual y no de un proyecto en el que las dos partes se hallasen ilusionadas.  En 1987 “En tu piel” ponía fin a una relación de diecisiete años entre la artista y su casa de discos. Harta de que la gente tuviera de ella una imagen excesivamente seria y recatada decidió mostrarse más “sexy” en la portada. Pocos meses antes la revista “Interviú” había publicado unas fotos en que la artista aparecía mostrando su cuerpo en una playa de Ibiza -la cantante suele pasar en la isla largas estancias-, Mari Trini parecía empeñada en demostrar que ella también podía ser atractiva, como si su imagen fuera la culpable de que el público le diera la espalda. Cuando un intérprete de la categoría de nuestra protagonista pasa de moda lo más sensato es esperar a que la moda vuelva a pasar por él, pero a veces no se tienen los medios o la paciencia para soportar ese “impasse” y el artista hace cosas que le restan la credibilidad que tantos años le ha costado ganar. “En tu piel” fue producido por Rafael Trabucchelli que, siguiendo su costumbre de adaptar temas clásicos, convirtió en canción la “Sonata Patética”, de Beethoven. (“Te juré”). Esta pieza ya había sido llevada anteriormente por Billy Joel al terreno del pop con el título “This night”. En los arreglos de aquel disco colaboraba el guitarrista Rafael Martínez que cuando la artista se quedó sin casa de discos le dio cobijo en Espectacular, el sello discográfico de corta vida que creó el propio músico. Tras un álbum doble de éxitos que tuvo una excelente acogida, en 1995 recaló en Divucsa donde pudo grabar algunos temas inéditos y sus temas de siempre.

El público no la olvida y sus compañeros de profesión tampoco, pero Mari Trini hace tiempo que no se prodiga en los escenarios que es donde puede demostrar mejor sus habilidades. La industria musical española ingrata con los artistas que no venden discos, aunque tengan un brillante historial a sus espaldas y Mari Trini, hoy por hoy, no tiene la posibilidad de actuar en público con la dignidad que merece una artista como ella que reúne méritos suficientes para figurar en un puesto destacado de la historia de la canción popular española.

 ©Antonio Subirana

DISCOGRAFÍA

 “Amores” (1970) (Hispavox)

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El disco que la descubrió y la consagró al mismo tiempo. LP imprescindible, con brillantes arreglos de Waldo de los Ríos. Echando una ojeada a los títulos que lo componen, parece que se trate de un álbum de “Grandes éxitos” (“Amores, “Cuando me acaricias”, “Un hombre marchó”, “Mañana”, “Vals de otoño”, “Si no te vas con la tarde”, “Déjame”…).

“En vivo” (1985) (Hispavox)

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Mari Trini es una artista a la que no se puede valorar en todas su dimensión si no se le ha visto en directo. Para los que no han asistido a ninguno de sus conciertos y para los que quieran evocarlos, este es un disco muy recomendable, sobre todo porque actualmente no es fácil ver a la intérprete sobre un escenario.

“Mari Trini” (1984) (Hispavox)

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Ofrece un perfil poco conocido de Mari Trini que aquí se adentra en un repertorio bolerístico, un género que años más tarde volvería con fuerza. Ella se anticipó a esta moda con este estupendo L.P. en el que llaman especialmente la atención la sensible interpretación de dos éxitos de Armando Manzanero: “No” y “Contigo aprendí”. Cerraba el trabajo una versión de “La mentira” (“Se te olvida”) que años más tarde también grabó Ana Belén con más éxito pero sin tanta emoción.

“Sus grandes éxitos” (1993) (Hispavox)

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Aunque no somos partidarios de incluir en esta sección discos recopilatorios, recomendamos esta selección porque reúne temas de éxito de todas las épocas –muchos difíciles de encontrar en su edición original- y ofrece una muestra del repertorio de canción francesa que la artista ha grabado a lo largo de su carrera.

Otros discos:

“Bonne chance” (Pathé-Marconi, 1965), “Mari Trini” (RCA, 1969), “Escúchame” (Hispavox, 1971), “Ventanas” (Hispavox, 1973), “L’automne” (Hispavox, 1973), “¿Quién?” (Hispavox, 1974), “Qui?” (Hispavox, 1975), “Transparencias” (Hispavox, 1975), “Como el rocío” (Hispavox, 1976), “El tiempo y yo” (Hispavox, 1977), “Sólo para ti” (Hispavox, 1978), “A mi aire” (Hispavox, 1979), “Oraciones de amor” (Hispavox, 1981), “Una estrella en mi jardín” (Hispavox, 1982), “Diario de una mujer (Hispavox, 1984), “¿Quién me venderá?” (Hispavox, 1986), “En tu piel” (Hispavox, 1987), “Espejismos” (Espectacular, 1990), “Sin barreras” (Divucsa, 1995), “Alas de cristal” (Divucsa, 1996).

Cuando un amigo (y maestro) se va

Publicado el abril 04, 2019

ALBERTO CORTEZ

SAM_2223Ha muerto hoy, 4 de abril de 2019, el gran Alberto Cortez. amigo y  maestro, pero un maestro cercano que siempre me ha acogido con los brazos abiertos. Todas las veces que ha tenido ocasión ha elogiado mi trabajo y nunca me ha faltado su aliento y sus consejos cuando los he necesitado. Hemos compartido horas de amena conversación y alguna que otra confidencia.

Creo no equivocarme al afirmar que mi primer contacto con la canción de autor fue a través de su álbum de 1971 No soy de aquí que dejó en mí una profunda huella. Tendría yo siete u ocho años y fui con mi padre al  Drugstore de la calle Tuset de Barcelona y allí compramos esa casete cuyas canciones en poco tiempo me aprendería de memoria. Quién me iba a decir a mí que, quince años después, en el restaurante de aquel mismo lugar, compartiría con mi admirado artista de la infancia cena y conversación, una madrugada en la que al acabar un recital tuvo el antojo de ir a cenar una “sopa de pollo”. Yo acababa de editar mi primer disco, estábamos en la misma compañía discográfica y además mi productor era Rafael Trabucchelli que tanto protagonismo tuvo en los primeros discos de Alberto y que por entonces volvía a colaborar con el cantautor. Uno de los primeros ejemplares de mi primer L.P. fue para enviárselo a Alberto Cortez que tuvo para mi trabajo de debut palabras muy elogiosas. Recuerdo que le dije que tenía todos sus discos y él, muy agudo, me respondió que también tenía todos los míos.

Disfruté mucho escribiendo los cuadernillos informativos que acompañan los dos CD’s dobles que publicó Rama-Lama en 2005 y 2007 conteniendo su discografía de los primeros años en Hispavox (1967-1972). Él se ofreció generosamente ha explicarme los pormenores de aquellas grabaciones y la historia de las canciones que contenían en largas conversaciones en las que deslizó algunas confidencias. Por problemas de espacio no todo se pudo publicar y quizá una parte que quedó inédita vea la luz algún día.

Poemas y canciones (1 y 2) y Canta a Atahualpa Yupanqui

Sus LP's en Hispavox (1969-1972)

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

He realizado otros trabajos sobre su obra. Uno de ellos lo escribí hace ya unos doce años para una colección del pop español y aquí lo reproduzco por si alguien se quiere documentar. Ruego al que desee hacer un buen uso del texto  cite su procedencia, algo que a menudo “se olvida”.

ALBERTO CORTEZ (Biografía)

Nombre auténtico: José Alberto García Gallo

Lugar y fecha de nacimiento: Rancul (Argentina), 11 de marzo de 1940

Año de debut: 1958

Álbumes editados en España (excluídas recopilaciones): 29

Mayores éxitos: “En un rincón del alma”, “Mi árbol y yo”, “Cuando un amigo se va”, “No soy de aquí…”…

Discográficas: Monglow Recording, Hispavox, Polygram, CBS, Emi.

 Resultado de imagen de alberto cortez“El mundo es un arrabal de la Pampa”, suele decir este artista refiriéndose a la tierra que le vio nacer y donde a los seis años empezó a estudiar piano con una maestra del pueblo. A los once ya componía sus primeros temas entre los que se cuenta una canción titulada “Un cigarrillo, la lluvia y tú” que años más tarde grabaría y que pasaría también a formar parte del repertorio de Los Panchos. “La compuse cuando aún tenía prohibido el cigarrillo y, sobre todo, el tú”, suele recordar el compositor. A los doce años marchó a San Rafael (Mendoza) para cursar el bachillerato y cinco años más tarde se instaló en Buenos Aires donde empezó a estudiar Derecho y Ciencias Sociales, carreras que abandonaría para dedicarse por entero a la música. En esa época realizó sus primeras apariciones televisivas en Argentina, en un programa llamado “Media noche en la capital del Plata”, y dirigió una orquesta de boleros llamada San Francisco que le permitió actuar en un prestigioso espectáculo llamado “LR 1 Radio del Mundo”. Cuando le llegó la edad de cumplir el Servicio Militar recibió una propuesta para viajar a Europa con un grupo de música folclórica llamado “Argentina International Ballet Show”. Tras consultar con su padre –que moriría poco después y al que dedicó su canción “Cuando un amigo se va”, el tema con el que suele cerrar, a capella, sus presentaciones en directo-, decidió liarse la manta a la cabeza y lanzarse a la aventura europea. En aquel grupo figuraba también Waldo de los Ríos, el gran músico que con el tiempo sería el responsable de la orquestación de algunos de sus mejores discos. En Alemania, la compañía llegó a una situación económica insostenible y los empresarios les abandonaron a su suerte. Gracias a una llamada casual se enteraron de que en Bélgica les estaban buscando a raíz de un éxito suyo. Allí acudió Alberto Cortez donde en 1960 grabó sus primeros discos como vocalista, en francés, alemán, italiano y español con el sello Monglow Recording. El primero de aquellos EP’s que aparecería editado en España con el sello Hispavox fue “Alberto Cortez y su orquesta” en el que se incluía “El Vagabundo” como tema principal, aunque mayor éxito obtuvieron en su voz “Las palmeras” y “Sucu sucu”. A raíz de la popularidad de este último, un tema de ritmo bailable, los siguientes EP’s aparecieron como “Alberto Cortez, ‘Mr. Sucu-Sucu’”.  El éxito obtenido en España con temas frívolos pero hechos con gran dignidad -a los que hay que sumar “Me lo dijo Pérez”, que daría el triunfo a Karina en Festival de la Canción de Mallorca- le lleva a tomar la decisión de instalarse en nuestro país en 1964. A partir de entonces la discográfica Hispavox  sería la que editaría su obra que cambiaría pronto de orientación. Cortez se reveló de la noche a la mañana como un compositor riguroso y un intérprete con una voz tan grande como su figura. En 1967 editó “Poemas y canciones”, con textos de Neruda y Dávalos, entre otros. Las musicaciones corrieron a cargo de compositores como Eduardo Falú. También incluyó en aquel álbum piezas de Atahualpa Yupanqui al que al año siguiente dedicaría un disco monográfico. Pero antes editó un segundo volumen de “Poemas y canciones” donde ya era el propio Alberto Cortez el que musicaba textos de poetas españoles, principalmente de Lope de Vega y de Antonio Machado. De este último musicó, entre otros poemas, “Yo voy soñando caminos”, “Las moscas” y “Retrato”. Las dos últimas composiciones fueron elegidas por Serrat para el exitoso álbum que al año siguiente dedicaría al poeta sevillano. Alberto Cortez presentó estos trabajos en el madrileño Teatro de la Zarzuela, el 22 de abril de 1967. El concierto fue muy agitado, hubo varios intentos de boicot por parte de algunos sectores ultra conservadores que no veían con buenos ojos que se aireará la obra de algunos poetas considerados de izquierdas. Cortez fue, junto a Paco Ibáñez, pionero en esta rama de la canción de autor, si bien Paco Ibáñez seguiría siempre en esa línea en tanto que Cortez pronto se centraría en composiciones enteramente suyas. “El compositor el cantante” fue la tarjeta de presentación de esta nueva etapa que tendría una consistencia y una constancia dignas de admiración. Álbumes como “Distancia”, “No soy de aquí”, “A mis amigos”, “Soy un charlatán de feria”… Alberto Cortez era el único cantautor popular que veíamos asomarse periódicamente a la pequeña pantalla, Serrat estaba vetado y los otros no eran suficientemente conocidos para aparecer en programas de máxima audiencia o eran incómodos para el ente que sistemáticamente los rechazaba por ser considerados “cantantes de protesta”. Sin embargo las canciones de Alberto Cortez –aunque tenía muchas de fuerte contenido social- estaban vestidas con un lenguaje poético muy cuidado y tuvo acceso a muchos espacios televisivos cuando la primera cadena era la única. Asimismo sus presentaciones en directo eran impecables y cuidó mucho la parte instrumental. A principios de los ochenta llegó al punto más alto de popularidad con la edición de un disco muy cuidado, “Castillos en el aire”. A este sucedieron otros álbumes muy elaborados: “Como el primer día”, “Entre líneas”, ”Como la marea”, etc. Entrados los años noventa presentó y dirigió un agradable programa musical en Antena 3 radio, “Jazmines en el ojal”. En 1993 se unió al cantautor Facundo Cabral para ofrecer unos recitales conjuntos que fueron recogidos en dos discos, “Lo Cortez no quita lo Cabral”. Les acompañaba el pianista Ricardo Miralles junto al que Alberto Cortez inició una nueva etapa de su carrera en la que recuperaba la esencia de la canción a través de unas interpretaciones a piano y voz, desprovistas de todo maquillaje, que formaron parte de su espectáculo “Canciones desnudas” y que también quedarían recogidas en el compacto “A todo corazón”, donde las nuevas versiones de sus temas de siempre se unieron a las piezas de su último CD de temas inéditos, “Fe”, compuesto tras padecer una grave enfermedad que le obligó a alejarse un tiempo de los escenarios y de la que felizmente se repuso para volver a sus actividades profesionales. Es lamentable que algunos de los últimos discos del cantautor no hayan visto la luz en nuestro país por falta de una discográfica interesada en ellos. Por otra parte, Hispavox no siempre ha puesto el empeño necesario en tener en catálogo las grabaciones de un artista como él, considerado “de repertorio” y no de éxito pasajero.

Alberto Cortez es un enamorado de su trabajo y su pasión se refleja en su obra que merecería una mayor consideración por parte de la industria discográfica, de los medios e, incluso, de sus propios colegas.

 ©Antonio Subirana

DISCOGRAFÍA SELECTA

“No soy de aquí” (1971)

No Soy De Aqui (Vinyl, LP, Album) album cover

(Hispavox)

Un disco espléndido con soberbios arreglos de Waldode los Ríos. La canción que da título al álbum es uno de los pocos éxitos de su repertorio del que no es autor. Lleva la firma de Facundo Cabral junto al que compartiría escenarios, pasados más de veinte años. Incluye también “Camina siempre adelante” y una versión de “En un rincón del alma”.

 

“En vivo desde Madrid” (1978)

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(Hispavox)

Aunque el sonido ha quedado un tanto desfasado, este disco -reeditado en 1999- es una buena muestra del directo de este artista que, como los verdaderos profesionales, se crece en el escenario. Incluye un puñado de sus mejores canciones entre las que no faltan “Mi árbol y yo”, “Distancia”, “El abuelo”, “Cuando un amigo se va”, etc.

 

“Como el primer día” (1983)

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(Hispavox)

Aunque no contiene ningún éxito del nivel de “Castillos en el aire”, su anterior L.P., este es el álbum más redondo de cuantos editó en los ochenta. Canciones impecables como “Aquella novia primera”, “La vejez”, “Si nos dejaran” o la nerudiana “Me gusta verte dormida” confieren a este trabajo una altura poética y musical muy estimable.

 

“Coincidencias” (1990)

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(CBS)

Tiene el aliciente de escuchar a Alberto Cortez en compañía de Paco de Lucía (“A mis amigos”), Mercedes Sosa (“Distancia”), Facundo Cabral (“No soy de aquí”), Susana Rinaldi (“Cuando un amigo se va”) o Joan Manuel Serrat (“Las nanas de la cebolla”).

Otros discos (excluídos EP´s y recopilaciones):

“Poemas y canciones” (Hispavox, 1967), “Poemas y canciones Vol. 2 (Poetas españoles)” (Hispavox, 1968), “Canta a Yupanqui” (1968), “El compositor…el cantante” (Hispavox, 1969), “Distancia” (Hispavox, 1970), “Equipaje” (Hispavox, 1972), “Ni poco…ni demasiado…” (Hispavox, 1973), “Como el ave solitaria” (Hispavox, 1974), “A mis amigos” (Hispavox, 1975), “Soy un charlatán de feria” (Hispavox, 1976), “Pensares y sentires” (Hispavox, 1977), “A partir de mañana” (1979, no editado en España), “Castillos en el aire” (Hispavox, 1980), “Gardel…como yo te siento” (Hispavox, 1984), “Entre líneas” (Hispavox, 1985), “Concierto” (Hispavox, 1985), “Sueños y quimeras” (Hispavox, 1986), “Como la marea” (Hispavox, 1988), “Almafuerte” (Polygram, 1989), “Si vieras que fácil” (1991, no editado en España), “Aromas” (1993, no editado en España), “Lo Cortez no quita lo Cabral” (Emi, 1994), “Lo Cortez no quita lo Cabral” (Vol. 2) (Emi, 1995), “A todo corazón” (1996, editado en Sudamérica), “Testimonio” (1997, editado en Sudamérica), “Fe” (Magna Music, 1998), “Cortez al desnudo” (Antología 5 CD´s, no editado en España), “Cortezías y Cabralidades” (1998, no editado en España), “A todo corazón” (1999).

En el centenario del nacimiento de Nat King Cole

Publicado el marzo 17, 2019

El 17 de marzo de 2019 se cumplen cien años del nacimiento de Nat King Cole, me sumo a los homenajes reproduciendo un texto que escribí en un libro, aparecido en 1995, dedicado a ls grandes voces del siglo XX

 

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Para el público español Nat King Cole fue durante mucho tiempo un cantante negro conocido por la canción “Ansiedad”  que interpretaba pronunciando la “j” de la palabra “salvaje” con una voluptuosidad y un exotismo irresistible…pero era mucho más que eso: un pianista  de jazz excepcional y un crooner personalísimo, descubrámoslo.

IMG_20190318_002655_resized_20190318_122930935 Primero, el pianista

 Nathaniel Adams Coles nació el 17 de marzo de 1919, en Montgomery, Alabama. Cuando sólo contaba cuatro años de edad se trasladó con su familia a Chicago.

Era el segundo hijo de un pastor protestante que de muy pequeño ya le orientó al estudio del piano. Su madre también le inculcó el amor a la música, ella dirigía el coro de la congregación en el que pronto participó el joven Nat.

Tomó como modelo al pianista Earl “Fatha” Hines y con su hermano mayor, Eddie, formó un grupo “The Roguers of rhytm” que daría paso al poco tiempo a otro liderado por su hermano, “Eddie Cole’s Solid Swingers” con el que llegaron a grabar varios temas y actuaron en los clubs de Chicago.

En 1936 la compañía de Eubie Blake  le contrató para hacer una gira por Estados Unidos con la revista “Shuffle along” que no llegó al final y Nat se las tuvo que ingeniar para sobrevivir tocando como músico de brasserie hasta que recaudó lo suficiente para trasladarse a Los Angeles. En esta ciudad, a finales de 1937, formó su propio grupo con el contrabajista Wesley Prince y el guitarrista Oscar Moore: el “Nat Cole trio” (a partir de ahí su apellido perdió la s).

Con algunos cambios a lo largo de su carrera (Wesley Prince fue sustituido por Johnny Miller y, en la última etapa, Oscar Moore cedió su puesto a Iruing Ashby), este grupo se estableció como uno de los pilares básicos del jazz durante toda la década de los cuarenta. Fue el primer trío que desarrolló la fórmula, base de muchas formaciones posteriores, de piano, contrabajo y guitarra, intercambiándose el protagonismo indistintamente.

 Oscar Peterson y Ray Charles reconocieron en el Nat Cole pianista un punto de referencia a la hora de edificar su estilo musical.  La característica de la ausencia de percusión se debe a un hecho inesperado: parece ser que el día de su debut en el Hollywood’s Swanee Inn, el percusionista no acudió y tuvieron que actuar sin él. Se las arreglaron tan bien que decidieron prescindir en lo sucesivo de los servicios del percusionista. Otra anécdota explica cómo nació el sobrenombre de “King”. Cuentan que durante una actuación con el trío, un hombre del público se le acercó entusiasmado para imponerle una enorme corona de papel mientras le gritaba “eres el rey”. La prensa recogió la anécdota y a partir de entonces pasó a ser conocido como Nat “King” Cole.

 El cantante

En 1946 el trío grabó el primer tema acompañado por una sección de cuerda, “Christmas song”, de Mel Tormé, que se convirtió en un éxito de primeraIMG_20190318_002725_resized_20190318_122900710 magnitud. A partir de ese momento daría preferencia a su faceta de crooner por encima de la de pianista, terreno en el que en su época se le consideraba uno de los más grandes según la crítica especializada de jazz. Pero el éxito comercial como cantante decantó la balanza hacia esta última actividad.

Aunque la discriminación racial jugó en su contra, Nat King Cole consiguió ser el primer cantante de color en ganarse el favor del público de raza blanca. La perfecta afinación de Cole, su esmerada dicción y la intención que ponía en las románticas melodías le convirtieron en el único rival de Frank Sinatra.

Curiosamente, a pesar de todas estas cualidades, la intención de Nat King Cole distaba mucho de la de ser un cantante. El azar eligió por él: Fue durante una actuación con el trío en un club de lujo, un cliente con dos copas de más le pidió insistentemente que cantara una canción a lo que Nat se negó, el dueño del club le ordenó que lo hiciera si no quería ser despedido y Nat tuvo que acceder. El resultado fue tan aplaudido que abriría una nueva faceta en su carrera.

El primer tema grabado con el trío que le daría popularidad como cantante fue “Sweet Lorraine”, en 1940,al que seguirían “Straighten up and fly right”, “(I love you) For sentimental reasons”, “(Get yor kicks) On Route 66”. A partir del éxito de Christmas song en 1946 su carrera como cantante iría en ascenso. En el 48 grabó por primera vez acompañado de orquesta, el tema era “Nature boy” y llegó al número uno de las listas americanas.

 Inolvidable Nat King Cole

 Durante los años cincuenta vieron la luz los standarts que hoy todos veneramos como “Mona Lisa”, “Too young”, “Smile” o el inolvidable (valga la redundancia) “Unforgettable”. En estas grabaciones contaba con el acompañamiento de las grandes orquestas del momento y con la colaboración de arreglistas tan  reputados como Gordon Jenkins, Nelson Riddle o Billy May, es decir los mismos que rodeaban a los crooners de primera fila como Frank Sinatra.

 También probó suerte en el cine, su mejor interpretación tuvo lugar en la película “St.Louis Blues” en el papel de William Cristopher Handy.

Un cáncer de pulmón acabó con su vida el 15 de febrero de 1965 cuando aún tenía muchos proyectos que realizar.

En 1991 su hija Natalie, que siguió con altibajos los pasos de su padre en la canción, lo “resucitó” para grabar a dúo (obviamente,con ayuda de la técnica) la canción “Unforgettable” en un álbum-homenaje a su padre que tuvo una fantástica acogida en todo el mundo y que sirvió para disparar las reediciones de los viejos discos de Nat King Cole.

Nat King Cole en español

 Durante muchos años se tuvo en España una visión muy limitada de Nat King Cole, que se reducía a los discos que había grabado en español. Era algo así como si Plácido Domingo sólo fuera conocido por un anecdótico disco de tangos.

El primer disco, “Cole en español”, fue grabado en Cuba, unos meses antes de la Revolución castrista y lo dirigió un músico cubano, Armando Romeu jr. Este disco incluía temas como “Adelita”, “Te quiero dijiste”, “Quizás,quizás,quizás”, etc.

Tuvo tan  buena acogida que grabó una segunda entrega tituladA “A mis amigos”,con arreglos y dirección de Dave Cavanaugh. Grabado en Brasil, combinaba  piezas en español y portugués como “Caboclo do rio” y “Nao tenho lagrimas” y fue el que le lanzó al mercado español con canciones como “Perfidia”, “Capullito de aleli”, “Aquellos ojos verdes”, “Fantástico” o “Ansiedad”. Esta última fue la pieza que le identificó durante mucho tiempo en España. Su castellano, a veces incomprensible por su acento norteamericano, le hizo muy atractivo para el público latino que veía en ese “defecto” un punto de exotismo.

Volvió a grabar en español, con arreglos y dirección de Ralph Carmichael, otro álbum, “De nuevo Cole en español”,que incluía “Piel canela” y “Solamente una vez” y que tendría menor repercusión  entre nosotros que el anterior.

Antonio Subirana

Cançons amb gust de sal (Havaneres i canço marinera…)

Publicado el marzo 13, 2019

TONI SUBIRANA

i Els Sonsos

presenten

Cançons amb gust de sal (Havaneres i canço marinera…)

Toni Subirana i Els Sonsos
Toni Subirana i Els Sonsos

Escoltar havanera “Camí de ronda”  (Lletra: Miquel Lluís Muntané – Música: Toni Subirana)

Vent fresquet de tramuntana” (Lletra: Joaquim Ruyra – Música: Toni Subirana)

Toni Subirana vé del cor de l’Empordà a presentar un repertori de cançó marinera amb havaneres ben conegudes i de la seva pròpia collita que combina amb algunes cançons sobre poemes d’autors clàssics com J.M. de Sagarra, de qui va musicar les Cançons de rem i de vela, inspirades a la Costa Brava; Joan Maragall, Joaquim Ruyra o Miquel Costa i Llobera i d’altres contemporanis. No hi manca tampoc al repetori alguna versió de la cançó francesa com La Mer, de Charles Trenet; de la cançó italiana, com Sapore di sale, de Gino Paoli; o del repertori llatinoamericà, com Alfonsina y el mar; i, per descomptat, clàssics del gènere com La gavina.   Toni Subirana presenta aquestes cançons en un format clàssic d’havanera amb l’acompanyament d’ Els Sonsos, dos grans professionals de la música: Alfons Rojo (guitarra, mandolina i acordió) i Eduard Altaba (Contrabaix).

Toni Subirana presenta "Cançons amb gust de sal".Toni Subirana presenta “Cançons amb gust de sal”.

Toni Subirana (Veu i guitarra)

Nascut a Barcelona l’any 1965 i resident al Baix Empordà des de 1992, va pujar per primer cop a un escenari als onze anys i  tres anys més tard va començar a compondre cançons, al principi sobre poemes d’autors com ara Sagarra, Maragall o Neruda i després de lletra i música pròpies.

 Al 1987 va veure la llum el seu primer L.P., Toni Subirana (Hispavox), on signava totes les cançons entre les que cal destacar “Las chicas de mi acera” que fou la seva tarja de presentació i que va tenir molt bona acollida. Més tard tornaria al mercat discogràfic amb Todas las demás y tú  (Justine, 1991), un àlbum amb deu temes també escrits pel mateix artista.

 L’any 1992 es va capbussar novament a la tasca de posar música a la poesia de Josep Maria de Sagarra fins a enllestir un repertori on hi trobem representats pràcticament tots els llibres de “cançons” del poeta. Aquesta obra es va enregistrar amb un grup de músics de  reconegut prestigi sota la direcció de Manel Camp. Més de cent-cinquanta poblacions han vist aquest espectacle que es va presentar a “L’Espai” de dansa i música de la Generalitat i ha estat programat dintre de festivals internacionals com ara “Cançons de la Mediterrània” (Palma de Mallorca), “Trobadors i Joglars” o el Festival de la Porta Ferrada (Sant Feliu de Guíxols).

 Al 2004 Subirana va treure a la llum el disc Afectos especiales, que va presentar en directe a la sala Luz de Gas, de Barcelona i a la sala Libertad 8 de Madrid. Amb aquestes noves cançons va fer nombroses actuacions, tant amb el seu grup d’acompanyament com en solitari, a veu i guitarra, on va fer una gira per centres culturals de la comunitat de Madrid i va participar a diverses programacions com la del “Encuentro intergeneracional de cantautores” de Granada.

 A principis de 2011 va sortir el mercat Cançons de totes les hores, una edició epecial de “Toni Subirana canta Josep Maria de Sagarra”, en commemoració del 50è aniversari de la mort del poeta.

 Al 2015, coincidint amb les dates nadalenques, Subirana presenta el disc Toni Subirana canta la poesia del Nadal, un recull de poemes que ell mateix ha musicat d’autors com Carner, Fages de Climent, Foix, Garcés, Guimerà, Manent, Maragall, Salvat-Papasseit o Verdaguer.

Toni Subirana acompanyat d'Alfons Rojo a la Mostra d'Havanera catalna de Palamós.
Toni Subirana acompanyat d’Alfons Rojo a la Mostra de l’Havanera catalana de Palamós.

IMG-20181028-WA0010Darrera el nom d’Els Sonsos hi ha dos grans professionals de reconegut prestigi:

Alfons Rojo (Guitarres, acordió, mandolina, harmònica i violí).

Gairebé quaranta anys de professional de la música avalen aquest músic amb una llarga experiència en guitarra (clàssica, elèctrica i acústica) i

mandolina, demostrada a un gran nombre de concerts i a més de trenta referències discogràfiques.

Graduat per l’ESMUC en Música Tradicional en l’especialitat de Guitarra i Instruments de Púa  té també el títol de Professor de Grau Mitjà de Guitarra cursat al Conservatori Superior de Música del Liceu on també va estudiar violí. La seva formaciò acadèmica inclou estudis d’harmonia i guitarra elèctrica realitzats l’Aula de Música Moderna i Jazz de Barcelona. Com a docent ha desenvolupat una gran activitat com a coordinador, professor de guitarra i d’instruments de púa a l’Aula de Música Tradicional i Popular (AMTP) de l’àrea de cultura de la Generalitat de Catalunya on va ser director de la rondalla i del departament de corda.

Fundador de la Orquestra Galana l’any 1980 (Premi Nacional de Música de la Generalitat de Catalunya) i del Quintet Fibonacci el 1990. Músic i co-arranjador de programes de televisió com Bojos pel ball. Ha format part de grups com Transardània, Casellas Sextet Folk, Barcelona Mandolines Quartet i ha col•laborat amb diversos cantautors i intèrprets com Anton Abad, Toni Subirana, Lídia Casaprima, Toti Soler, Toni Xuclà. En l’actualitat membre del grup de música d’Arrel-Fusió Estramp Jazz i de la Cobla Catalana dels Sons Essencials.

Toni Subirana entre Eduard Altaba (contrabaix) i Alfons Rojo (acordió).
                                                      Toni Subirana entre Eduard Altaba (contrabaix) i Alfons Rojo (acordió).

Eduard Altaba (Contrabaix)

 Música de solvència contrastada present en molts moments històrics de la vida musical catalana.

L’any 1973 va formar el seu primer grup Bueyes Madereros, d’aleshores ençà ha estat, com a baixista o contrabaixista, en molts grups de música ben diversa Blay Tritono, Tropopausa, Triomobil, Moisés Moisés, Guen Dai, Lisboa Zentral Cafè…, ha acompanyat a diferents cantants i músics Francesc Pi de la Serra, Pau Riba, Paco Ibañez, Jaume Sisa, Albert Giménez, Lluis Llach, Luis Paniagua, Toti Soler, Toni Subirana… amb els que ha actuat per tot arreu.

 Ha participat com a músic en diversos espectacles: El Mikado de Dagoll Dagom; Cabaret, de Jérome Savary; El Barbero de Sevilla, de Tricicle; La dama de Reus, de Ramon Simó, Klowns, Utopista de Monty & Cia, Dimonis, d’Els Comediants; A la Ville de… Barcelona, de Joan Ollé. Ha format part de nombrosew experiències de música improvisada: Orquestra del Caos, Gràcia Territori Sonor, Orquestra IBA, John Zorn, Butch Morris, Banda d’Improvisadors de Barcelona, As três ladeiras i ha enregistrat discos amb Tropopausa, Perucho´s, Toti Soler, Hiroshi Kobayashi, Big Ensemble del Taller de Músics, Jakob Draminsky, Les Anciens…i amb Toni Subirana amb el qual va col•laborar al CD Toni Subirana canta Josep Maria de Sagarra i va tenir una participació molt activa al dsc Toni Subirana canta la poesia del Nadal.

Cançons de remi i de vela

“… Aquell estiu (1) Josep Pla va descobrir-me la Costa Brava, des de Palamós al Golf de Roses. Vaig viure la cuina, lataverna, el cafè, la pesca i la

Actuació a Cadaqués
Actuació a Cadaqués
Proves de so
Proves de so

conversa dels mariners. La tardor d’aquell mateix any vaig descobrir Cap de Creus, Cadaqués i Port de la Selva. Des d’aleshores ja no vaig abandonar mai més la Costa Brava. Han d’anar molt malament les coses perquè una hora o altra no vagi a provar una olla de peix, a Calella, a l’Escala o en un d’aquells solitaris refugis del Cap de Creus, que per mi són i seran les poques i diminutes àrees de felicitat dins d’aquest món de misèries. Del meu casament amb la Costa Brava en va néixer un llibre: Cançons de rem i de vela. En aquest recull de poemes hi ha la bona fe i l’ingenuïtat de la persona que per primera vegada sent i viu integralment el clima dels pescadors i de les barques. És un llibre sincer, escrit sense preocupacions, i això és potser el que de seguida va fer-lo simpàtic i popular. Dels meus reculls de poemes, crec que és aquest el que ha estat més llegit i més estès. Se’n van tirar diverses edicions, i com que la seva aparició coincidí amb el començament del gran èxit que ha tingut després la Costa Brava, vaig poder constatar que a moltes noies i  a molts xicots esportius els eren familiars les Cançons de rem i de vela, i han estat infinites les vegades que persones desconegudes m’han demanat que els signés un exemplar de butxaca d’aquestes cançons.” “… Cançons de rem i de vela és un llibre directe i espontani, escrit, com aquell qui diu, a les mateixes roques i amb mig cos dins l’aigua.”

(1) de l’any 1921 Josep Maria de Sagarra  

 

Toni Subirana recuerda a Luis Arribas Castro con motivo de “El día de la radio”, en el decimotercer aniversario de la muerte del locutor

Publicado el febrero 16, 2019

El cantautor recupera la primera entrevista en profundidad que le hizo el popular locutor

Luis Arribas CastroEl pasado miércoles 13 de febrero fue “El día de la radio” y me dio por buscar una cinta con la grabación de laImagen 036 entrevista que me hizo Luis Arribas Castro. La encontré rápidamente porque soy muy ordenado, lo que me costó más fue digitalizarla porque soy muy analógico…tanto que cuando lo conseguí ya se me había pasado el día dedicado a las ondas hertzianas. Pero hete aquí que hoy se cumple el decimotercer aniversario de la muerte de este genio de las ondas y me decido a compartirlo con mis seguidores porque es una buena muestra de la radio que hacía el locutor y porque a algunos les hará gracia ver como respondía a sus preguntas el joven cantautor de veintidós años que era yo en 1987 cuando daba a luz mi primer L.P.. No fue mi primera aparición en el medio, que se remonta a mis doce años, pero sí es la primera entrevista larga que me hacían (¡más de dos horas!). Me ha gustado recordar al gran “Don Pollo” espero que a algunos de vosotros también os guste volver a oir su inconfundible voz y a otros descubrir a esta gran figura de la radio española hecha desde Barcelona.

Escuchar entrevista de Luis Arribas Castro a Toni Subirana